Steve Bramson de son vrai prénom Steven, est née le 29 juillet 1950.

Avec un père, Alan, propriétaire d’une école de musique et d’un magasin de musique à New-York, et une mère, Bérénice, soprano-lyrique, on peut dire que Steven est tombé dans la musique dès sa plus tendre enfance. Sa sœur, Bobbe, est également auteur-compositeur et pianiste.

Steven a commencé par apprendre la trompette avant de bifurquer vers le piano. Adolescent, il a été influencé par le jazz et la musique populaire via l’arrangeur et producteur Mitch Farber.

Il poursuit des études d’économie et sort diplômé de l’Université du New Hampshire en 1978. Pendant cette période, il est bien entendu très actif au sein du département musique de son université.

Quelques mois plus tard, le clarinettiste de jazz Buddy DeFranco propose d’acheter l’un de ses arrangements. Sur demande de M. Faber, Steven s’inscrit ensuite au Arrangers Holiday Summer Program de la Eastman School of Music, une expérience déterminante pour sa carrière. Il passe les trois années suivantes à étudier le théorie et la composition avec Ludmilla Ulehla ainsi que le piano avec Robert Levin. Il poursuit à plein temps ses études à Eastman aux côtés de Rayburn Wright, Manny Albam, Bill Dobbins, Samuel Adler et Sydney Hodkinson, et en sort avec un Master en Musique en 1983.

C’est alors le début d’une longue collaboration avec le compositeur Laurence Rosenthal. Steven travaille en tant que chef d’orchestre sur de nombreux téléfilms et séries télévisées jusqu’au milieu des années 80. Il participe à la compostion de la musique des Tiny Toon Adventures de Steven Spielberg ce qui lui vaut d’être remarqué par Bruce Broughton et lui permet de rejoindre le cercle des compositeurs de musiques de séries.

C’est en En 1995, que Disney lui demande de composer la musique pour l’attraction Space Mountain à Disneyland Paris. Cette même année, sur recommandation de B. Broughton, il est engagé pour composer pour la série JAG. Grâce à son travail sur JAG, Steven a été nominé deux fois pour les Emmy Awards.

Pour Space Mountain il s’est inspiré des musiques de John Williams et de la musique de 20,000 Lieues Sous les Mers, de Paul J. Smith.

La première musique est « Impressions ». Elle a été écrite pour l’ambiance de la file d’attente de l’attraction.

Très calme, elle décrit le paysage spatial, de sa découverte à son admiration, jusqu’au retour sur Terre et l’éloignement de l’Espace et de la Lune.

La musique se divise en sept parties :

1. La première partie raconte le départ vers l’Espace. On découvre le thème principal, très serein, sur une pédale de dominante, avec beaucoup de liberté, afin d’arriver sur une exposition du thème qui annonce le départ de la fusée.
2. La deuxième partie expose de nouveau le thème à deux reprises. Elle raconte le décollage et l’arrivée dans l’Espace. Plus rapide, elle évolue à travers sa modulation à la quarte diminuée, qui amène une tension, avant d’arriver à la fin de l’ascension et l’admiration du paysage spatial.
3. L’admiration du paysage est décrite par trois éléments différents : l’utilisation des trois premières notes du thème principal, un thème à la basse composé d’un mélisme autour de la tonique et d’un contrechant autour de la tierce. La transition vers la partie suivante, est une marche utilisant le thème principal, vers une modulation à la quarte diminuée supérieure.
4. La partie suivante est composée d’un dialogue entre les instruments aigus et la basse, accompagné d’un mélisme dans le registre médium, qui renforce une atmosphère statique, qui donne une sorte d’impressionnisme à la partie.
5. La cinquième partie renforce ce statisme avec une succession de triolets tournant autour du même pole, modulant au demi-ton supérieur ou inférieur, avant d’arriver au climax, et donc au retour vers la Terre.
6. Le retour commence avec un nouveau motif, répété à deux reprises, qui amènent vers une marche au demi-ton inférieur et une modulation à la quinte diminuée inférieure.
7. La septième partie est un contrechant joué dans le registre aigu, sur une pédale de tonique, puis sur une pédale à la sous-dominante, décrivant l’éloignement, avant d’arriver sur une coda, qui rappelle un souvenir du paysage découvert.

Source du texte : Musicland

La deuxième musique est à l’opposé de la version de la file d’attente, afin de décrire le trajet mouvementé réalisé par le train au cours du parcours, le visiteur étant actif au sein de l’histoire de l’attraction, et non plus en attente avant de prendre part au parcours : elle perd son calme et sa sérénité, qui permet de contempler un Espace recréé, et devient plus dynamique, mouvementée.

Cette musique participe à l’immersion du visiteur : il ne devient plus spectateur d’un voyage vers la Lune, mais héros de l’événement.

Elle se divise en 4 boucles et chaque partie représente une zone du parcours. :

De plus, chaque début de zone comporte des capteurs qui permettent de déclencher la boucle musicale. Si le train vient à s’arrêter dans une zone, la boucle musicale suivante ne se déclenche pas et la musique s’arrête. Afin de palier à ce problème qui provoquerait un silence ne servant pas l’action, Steve Bramson a ajouté quelques mesures d’un effet musical ou d’une note tenue, afin d’avoir une ambiance sonore toujours présente, et de faire une transition avec la boucle suivante.

Source du texte : Musicland